Érdekes

Mikor vált általánossá a kereskedelmi stúdiófotózás?

Mikor vált általánossá a kereskedelmi stúdiófotózás?


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Néztem ezt a Wikipédia -cikket, a Fotográfia története, és azon tűnődtem, hogy a kereskedelmi fotós stúdiók mikor váltak általánossá és megfizethetővé az átlagember számára.

A cikk szerint a fényképezőgépek 1851 és 1884 között finomodtak. A fényképek minősége egyre jobb lett, és a berendezések hordozhatóbbak lettek. Az olyan fotósok, mint Mathew Brady, történelmi eseményeket dokumentáltak, és híres emberekről készítettek portréfotókat. Az 1870 -es években fotós stúdiók jelentek meg mindenfelé. Még a kisebb városokban is, mint például a Tombstone AZ, volt fotóstúdió.

Amit keresek, amit nem találtam meg a Wikipédián, az volt az a pont, amikor a fotós stúdiók és a professzionális fotózás, mint szakma valóban beindult. Feltételezném, hogy az általam említett időszakban történt, de voltak -e bizonyos események/emberek, amelyek utat mutattak ennek a tömeges kereskedelmi forgalomnak? Mi volt a buktatópont között, hogy a feltalálóknak kell vacakolniuk egy népszerű pénzszerző vállalkozással szemben?

Alapvetően inkább kereskedelmi/marketing innovációt keresek, mint technikai újítást, Jeff Bezost vagy Mark Zuckerberget, nem pedig Bill Gateset vagy Steve Jobsot.


További kutatásokat végeztem útmutatóként a válaszok felhasználásával, különösen a daguerotípusról.

Érdekes információkat találtam ebben az esszében a Metropolitan Museum of Art honlapján: A francia fotográfia iparosodása 1860 után.

Ezt a dokumentumot az Akron, OH 1850-1900 közötti fotózási létesítményeiről is megtaláltam: http://www.case.edu/artsci/wrss/documents/Gunn_000.pdf Ez egy tanúbizonyság arról, hogy a fotográfiai stúdiótevékenységek során jönnek és mennek. az időszak.

Aztán volt ez a rövid cikk Jesse Whitehurstről

Jesse Whitehurst, a virginiai származású dagerrotipista, aki ezt a képet készítette, fotóstúdiók láncát nyitotta meg az 1840 -es években, és végül New Yorkban voltak telephelyei; Baltimore; Washington. D.C .; Wilmington, Észak-Karolina, valamint Richmond, Norfolk, Petersburg és Lynchburg, Virginia… Whitehurst korának egyik vezető fotográfiai vállalkozója volt, és 1850-re azzal dicsekedett, hogy huszonegy asszisztenst foglalkoztat, és fotógalériák "évente 20 000 hasonlóságot készítettek".

És ez a Cornell cikke a Daguerreotype Forradalomról:

1850 -re az amerikai dagerrotipisták évente több mint hárommillió dagerrotípiát állítottak elő. Több dagerrotípiás galéria volt New Yorkban, mint egész Angliában. A jenki találékonyság és vállalkozói szellem egy nehézkes és egzotikus technológiát mindennapi szolgáltatássá alakított át, amely elérhető a virágzó középosztálybeli ügyfélkör számára.

Aztán találkoztam John Plumbével. Ő és a lánc Daguerreotype galériái 1840-1847 között jó példa arra, amit kerestem. Túl későn néztem egy időszakra. Köszönet az RI Swamp Yankee -nek, amely megemlíti a daguerotípust.

Összességében úgy tűnik, hogy egy Daguerreotype stúdió idővel átadta helyét a fotós stúdiónak. A mai napig viszonylag olcsó vállalkozásba kezdett, és nagy forgalmat bonyolított.


A kereskedelmi forradalom volt a műszaki; Louis Daguerre lehetővé tette a gyakorlati stúdiófotózást a Daguerreotype segítségével, és széles körben engedélyezte azt Európa és Amerika professzionális fotósai számára. Íme néhány cikk az Egyesült Államok korai fotostúdióiról, amelyek mindegyike Daguerre folyamatát használta. Nem volt egyetlen végfelhasználó sem, aki nagyobb befolyást gyakorolt ​​volna a feltalálóra népszerűségének terjesztésében - a fotográfiának nem volt Zuckerbergje, de Steve Jobsnak (kiegészítve saját Wozjával Nicéphore Niépce alakjában).


A fotográfiát az impresszionistáktól kezdve számos művész használta; sokan fényképeket használtak képeik alapjául. A divat és a fotózás ötlete sok női fotósnál alakult ki az 1850 -es években és azt követően, ahol a londoni fotográfiai társaság díjakat mutatott be a kiállításaikról. Ezt a kereskedelmi fotózás felé tett lépésnek tartom, tekintettel annak későbbi felhasználására a katalógusokban és hasonlókban.

A fényképezőgépek hordozhatóbbak lettek, ahogy Ön is megjegyezte, de amikor olyan emberektől megy, mint Timothy O'Sullivan, akik a polgárháborús halottakról fotóznak, mert nem mozdulnak (záridő!), A stúdiókba, ahol leülhetnek és elkészíthetik a fényképet gyorsan megváltoztak a dolgok. Általában maga a folyamat és a szükséges vegyszerek is időt és pénzt igényeltek, és szakosodottá tették:

Az 1870 -es évekre a nedves kifejlesztési folyamat új utat adott a zselatin száraz lemeznek. Már nem volt szükség a vegyszerekre a helyszínen a ma már híres fotós sátorban. A kezelt lemezeket ki lehetett vinni a szántóföldre, felfedni és visszavinni egy sötét helyiségbe későbbi feldolgozás céljából.

Maguk a kameramechanizmusok is forradalmat éltek át. Lehetségessé vált, hogy az expozíciók kevesebb időt vegyenek igénybe. A redőnyöket mechanikusan összekötötték, nem pedig manuálisan nyitották.

A szárazfeldolgozás idején Muybridge tökéletesítette az akcióképek feldolgozását és a gépi rögzítésű fényképezőgépeket képeinek elkészítéséhez. Nem tudta volna működésbe hozni fényképezőgép sorait, ha mindegyiket egyenként kellett volna a helyszínen feldolgozni.

De ne felejtsük el magát az embert, George Eastmant. Tehát ha valakit keres, azt javaslom, hogy ő legyen az.

Az 1800 -as évek végső forradalma akkor történt, amikor egy George Eastman nevű férfi kifejlesztette az ötletet, hogy az előfeldolgozott lemezt lemeztekercsekké alakítják át, amelyeket a fényképezőgép belsejében lévő tekercstartóra szereltek fel. Minden expozíció után a tekercset egy speciális kulccsal továbbították, és miután a tekercs teljesen ki volt téve, az egész kamerát elküldték postára, vagy visszaküldték az üzemébe fejlesztés céljából. Ezt a kamerát "Kodak Camera" -nak hívták. Most minden férfi, nő és gyermek amatőr fotós lehet!

Volt még néhány link itt: a fotográfia történetéről


Úgy gondolom, hogy ezt jobban meg lehet nézni, ha a verseny költségeit vizsgáljuk.

A fotózás előtt az egyetlen módja annak, hogy portrét kapjunk, egy művész felvétele volt. Nyilvánvaló, hogy ez egy magasan képzett szakma, és minden kép hetekig vagy hosszú ülésekig tarthat, felhasználva mind a művész, mind az összes alany idejét. Ennek a munkaerőköltségei hihetetlenül drágák lennének (nem is beszélve a kenyérkeresők lehetőségéről, akik órákon át kénytelenek egy helyben ülni.) Meglehetősen sok befejezetlen portréfestmény lebeg a környéken, az egyik téma miatt haldoklás, vagy a patrónus anyagi helyzete a munka során megváltozott. Például Gilbert Stuart híres George Washington elnöki portréja valójában így néz ki:


(forrás: wikimedia.org)

A fotózás viszont csak néhány percet vesz igénybe. Tehát sokkal olcsóbb lett volna (és könnyebb is), mint a művész-portré. Ha a képminőség versenyképes lett volna, a fényképezés azonnal vált volna az módja annak, hogy az egyszerű ember portrét készítsen.

Azt mondod, hogy a minőségi forradalom "1851 és 1884 között" történt, tehát itt a válasz.


A fényképészeti vaku rövid története

Hogyan jön létre egy fénykép? Fényen keresztül. Valójában a fotózás minden aspektusa a fénytől függ: a fény az, amit a film rögzít, a fény visszaverődik a különböző tárgyakról, láthatóvá téve azokat és színt teremtve. Nos, mi történik, ha nincs fény, vagy csak kevés van belőle?

Ebben a cikkben a mesterséges világítás evolúciójának minden aspektusát megvizsgáljuk, kezdve a korai vegyszerekkel, villanóporokkal, és továbblépve a vakukra és az elektronikus vakukra.


A nedves kollodió folyamatának fejlesztése

A fotográfiát forradalmasította 1851 -ben az üvegnegatívok készítésére szolgáló nedves kollódium eljárás bevezetése. Ez az új technika, amelyet Frederick Scott Archer angol szobrász talált ki, 20 -szor gyorsabb volt, mint az összes korábbi módszer, ráadásul szabadalmi korlátozásoktól mentes. Papírnyomatok könnyen készíthetők üveglemez negatívokból. A folyamatnak volt egy nagy hátránya: a fotósnak szinte közvetlenül az expozíció előtt érzékenyítenie kellett a lemezt, és ki kellett tennie, és meg kell dolgoznia, amíg a bevonat nedves volt. A Collodion nitrocellulóz (guncotton) alkoholban és éterben készült oldata, amikor az oldószerek elpárolognak, tiszta műanyagszerű film keletkezik. Mivel ezután vízhatlan, az ezüst -halogenidek kifejlesztésére és a nem exponált sók eltávolítására használt vegyszerek nem tudnak behatolni a bevonatba, hogy hatást gyakoroljanak rájuk. A nedves kollodió folyamatát szinte azonnal egyetemesen elfogadták, mert nagy pontossággal jelenítette meg a részleteket, amelyek vetekedtek a dagerrotípiával. Több mint 30 évig uralkodott, és nagyban növelte a fotózás népszerűségét, annak ellenére, hogy egyenlőtlenül érzékeny a spektrum különböző színeire.

Eleinte az üveglemez negatívokból készült pozitív nyomatokat Talbot sópapír módszerével készítették, de az 1850-es évek közepétől kezdve albumin papírra. A Louis-Désiré Blanquart-Evrard által 1850-ben bevezetett albumin papír egy lassan kinyomtatható papír (azaz olyan papír, amely közvetlen expozíció során látható képet eredményez, kémiai fejlődés nélkül), amelyet érzékenység előtt tojásfehérjével vontak be. A tojásfehérje fényes felületet adott a papírnak, ami javította a kép definícióját.

Az 1860-as években általánosan elterjedt volt az új portréstílus, amely albumpapírt használt, André-Adolphe-Eugène Disdéri 1854-ben Párizsban. Carte-de-visite-nek hívták, mert a felhelyezett albumnyomat mérete (10,2 x 6 cm) megfelelt a hívókártya méretének. Disdéri négylencsés kamerával nyolc negatívot készített egyetlen üveglapon. Minden kép külön -külön is pozícionálható, vagy egyszerre több expozíció is elkészíthető ugyanabban a pózban. A rendszer fő előnye a gazdaságossága volt: nyolc portré készítéséhez a fotósnak csak egyetlen üveglapot kellett érzékenyítenie, és egy nyomtatást kellett készítenie, amelyet aztán külön képekre vágtak fel. Először a cartes-de-visite szinte változatlanul az alanyokat állta. Idővel a hátterek díszesek lettek: bútorokat és olyan építészeti töredékeket mutattak be, mint a papier-mâché oszlopok és ívek, és nehéz rojtos bársonyfüggönyöket akasztottak a fényképezőgép hatótávolságán belül. A szekrényméretű (16,5 x 10,2 cm) kép megjelenésével 1866-ban a fotós dekoratív stratégiái még hangsúlyosabbak lettek, így 1871-ben egy fotós ezt írta: „Egy jó, sima háttér, a kastélyok, a piazzák, az oszlopok, a függönyök és a nem jól megmunkált, minden életfeltételnek megfelel. ”

Az új nedves kollódiumozási eljárással pozitív képeket is készítettek az ambrotípusoknak nevezett üvegen, amelyek egyszerűen alulexponált vagy fehérített negatívok voltak, amelyek pozitívnak tűntek, ha sötét bevonatra vagy hátlapra helyezték őket. Pózban és világításban ezek a népszerű portrék méretükben hasonlítottak a dagerrotípusokhoz, és hasonló típusú esetekhez voltak mellékelve. Nem közelítették meg azonban a dagerrotípia ragyogását.

A titintípusok, amelyeket először ferrotípusoknak vagy melainotípusoknak neveztek, az ambrotípus olcsó változatai voltak. Ahelyett, hogy üvegre tették volna, a kollodion -emulziót vékony, fekete zománcozott vaslemezekre vonták. Kezdetben tokokban mutatták be, keskeny aranyozott keretekkel körülvéve, de az 1860 -as évekre ezt a kidolgozott bemutatót elhagyták, és a fémlemezeket egyszerűen papírborítékba helyezték, mindegyiknek a képméretű kivágott ablaka volt. A könnyen elkészíthető és olcsón megvásárolható tintetípusok népszerűek voltak a polgárháború katonái körében, és a 19. században is a népművészet egyik formája maradt. Az ülők pózai a színekben gyakran informálisak és néha humorosak voltak. Mivel olcsóak és könnyen előállíthatók, a tintypesek az utcai fotózás népszerű formájává váltak a 20. században. Az európai országokban gyakoriak voltak a gyakran szamárral felszerelt utcasarkos fotósok.


Az 1900 -as évek eleje: A szín bevezetése

1910 -ben Wladimir Schohin fényképész továbbfejlesztette a fotózást azáltal, hogy sikeresen visszaadta a színeket az autokróm segítségével. Ez a bonyolult eljárás burgonyakeményítő termék felhasználásával állítja elő a pigmentet.

Schohin egyik képe, amelyet autokróm segítségével készített, repedt tojást mutatott. Ez a fénykép a sárgája élénk narancsát és az ételfotózás új részleteit mutatta be, amelyeket még nem kellett feltörni, szójátékkal. A „Stilleben” -ben a legszembetűnőbb az, hogy ez jelzi a mai ételfotózási stílusokat. Ebben a stílusban a rendetlenség és a köztük lévő pillanatok ugyanolyan értékesek és fontosak stílusilag, mint az érintetlen ételek tökéletesen összeállított képei.


1950–1999

Tony Ray-Jones, Science Museum Group gyűjtemény

Brit fotós Tony Ray-Jones (1941–1972) projektjéről a legismertebb Szabadnap, amely az angol életmód furcsaságait és sajátosságait ábrázolja. Fényképei melegséggel és humorral vannak átitatva, alanyai ellazultak és őrültek.

Ray-Jones munkássága a britek szabadidős fényképeinek nagyobb hagyományaiba tartozik, kezdve Sir Benjamin Stone-val a 19. században, később többek között Paul Martin és Homer Sykes. Egyedülálló kompozíciói hatással voltak a fotósok későbbi generációjára, köztük Chris Killipre és Martin Parrra.

Tony Ray-Jones 1941-ben született, és gyermekkorát Londonban töltötte. A londoni nyomdai iskola kezdeti hivatali ideje után Amerikába költözött, hogy a Yale Egyetemen fotóst tanuljon. A Yale -nél megállapította, hogy a fotózást komolyan veszik, mint művészeti formát és a személyes művészi kifejezés eszközét. Amerikában számos befolyásos gyakorló ismerkedett meg és inspirált, köztük Alexey Brodovitch tervező, Joel Meyerowitz és Garry Winogrand fotósok. Bemutatták neki az „utcai” fotózás akkor új formáját, amely mélyen befolyásolta a gyakorlatát. Az Egyesült Királyságba visszatérve Ray-Jones hasonló megközelítéssel kezdte dokumentálni az angolokat szabadidejükben, és különös érdeklődést tanúsított az angol tengerpart iránt.

1971 -ben visszatért az Egyesült Államokba, hogy fotózást tanítson, de nem sokkal érkezése után leukémiát diagnosztizáltak nála. Tragikus módon Ray-Jones 1972-ben halt meg 31 éves korában.

Dr. Harold (Eugene) Edgerton, © Massachusetts Institute of Technology, Science Museum Group gyűjtemény

Dr. Harold Edgerton (1903–1990) híres másodperc törtrésze fényképeiről, amelyek az emberi szem számára túl gyors cselekvéseket tárnak fel.

Edgerton volt az első fotós, aki stroboszkópos világítást használt a gyors mozgás rögzítésére. Híres lett drámai fényképeiről, amelyek a lehulló tejcseppekről és a gyorshajtó golyókról készültek. Azt találta, hogy a stroboszkóp ismételt és gyors fénykitörések révén meg tudja világítani az alanyt. Fényképei először a nagysebességű mozgás nézeteit mutatták be, és népszerűvé váltak a nyilvánosság körében.

© Don McCullin/Kapcsolat/nbpictures, Science Museum Group collection

Don McCullin (1935–) brit fotóriporter, nemzetközi hírnévvel a háborús övezetekben és más konfliktusterületeken készített, ütős fényképekkel. 1966 és 1984 között a Sunday Times Magazin és számos országos és nemzetközileg fontos eseményről számolt be, beleértve a vietnami háborút, az észak -írországi bajokat és az afrikai HIV/AIDS -járványt.

McCullin a brit társadalom munkanélküli és elszegényedett tagjairól szóló együttérző és erőteljes fényképeiről is ismert. Ezek az 50 év alatt készült fényképek tanúskodnak McCullin haragjáról egy olyan rendszer iránt, amelyben egyes emberek akut szegénységben és nélkülözésben kényszerülnek élni. Kiállítás McCullin munkáiból Nagy -Britanniából, könyvei alapján Hazatérés (1979) és Angliában (2007), 2009 nyarán mutatták be ebben a múzeumban Angliában, a kiállítás számos képet tartalmazott, amelyek Bradfordban készültek az 1970 -es években. McCullin sokkolta a városban tapasztalt nehézségektől és szorongásoktól. Ez a fénykép, egyszerűen címmel Bradford, a társadalmi és faji bajok hosszú élettartamáról tanúskodik, amelyeket a város még mindig elvisel.

A Somersetben élő és dolgozó McCullin most a tájfotózásra koncentrál.

Chris Killip, a Science Museum Group gyűjteménye

Chris Killip (1946–) erőteljes és megható fekete-fehér fényképeiről ismert, amelyek az ipari hanyatlás krónikáját képezik Anglia északkeleti részén a hetvenes és a nyolcvanas évek végén.

A sorozat, amelyből ez a fénykép készült, megjelent a könyvben Flagrantéban (1988). Flagrantéban az 1980 -as évek egyik legfontosabb fotográfiai könyve volt, a fényképek hatásos és visszhangzó jellege miatt. Általában az északkelet-angliai Thatcher-évek életének fontos rekordjaként tartják számon. A deindustrializációs politikák által előidézett magas munkanélküliségi szint jellemezte ezt az időszakot, amely drámai korszak volt a társadalomtörténetben. A melankólia heves érzése áthatja Killip fényképeit: ezek inkább gondos személyes megfigyelések, mintsem cselekvésre ösztönzők. Killip munkássága segített megalapozni a dokumentumfotózás mára megszokott hagyományát a képzőművészet kontextusában.

Fay Godwin, Science Museum Group gyűjtemény

Fay Godwin (1931–2005) Nagy -Britannia egyik legjobb tájfotósaként tartják számon. Fekete -fehér fényképeiről ismert, amelyek tükrözik a brit táj változatos és változó jellegét. Különleges képessége volt a szárazföld, a tenger és az ég lényegi jellemzőinek ábrázolására. Munkája gyakran felhívja a figyelmet arra a káros hatásra, amelyet a múlt és a jelen generációk gyakoroltak a természeti környezetre, amelyet munkája előrehaladtával egyre inkább szennyezettnek és hozzáférhetetlennek kezdett ábrázolni.

Érzékeny, finoman politikai és szentimentális munkája több könyvben jelent meg, amelyek közül a legbefolyásosabb volt Föld (1985). Föld tíz év alatt készült fényképeket mutattak be, amelyek közül sok akkor készült, amikor Godwin egy jelentős Művészeti Tanács támogatásban részesült, amelyet 1978-ban ítéltek oda.

1987 -ben Godwin elnyerte a Bradford -ösztöndíjat, amelynek a múzeum, a Bradford College és a Bradfordi Egyetem közös házigazdája. Ösztöndíja alatt Godwin színes fotózással kapcsolatos kísérletei a kiállításon tetőztek Bradford színben.

Egy későbbi könyv, Tiltott földünkEbben a Godwin az útépítők, a fejlesztők, az erdészeti ipar és a Honvédelmi Minisztérium által okozott környezeti károkra összpontosított.

Ezt a fényképet, Heptonstall háttérvilágítás, Yorkshire 1978, illusztrálja a fény és árnyék mesteri használatát és feltűnő kompozíciós képességeit. Ez a középárnyalatok teljes skálájával együtt hangulatos jelenetet teremt, és hangsúlyozza a yorkshire-i táj hatalmasságát.

John Davies, a Science Museum Group gyűjteménye

John Davies (1949–) termékeny, nemzetközileg elismert fotós, híres lenyűgöző fekete -fehér képeiről mind a városi, mind a vidéki tájakról.

Mivel Davies rögzíti az iparosítás tájra gyakorolt ​​hatásait, Davies -t gyakran politikai fotósként írták le. Munkájában gyakran nem egyező elemek vannak jelen: ipari épületek vidéki környezetben vagy ősi épületek, amelyeket felüljárók kísérnek. Ezek az ellentétek hangsúlyozzák a fejlődés hatásait és azt, hogy ezeket a struktúrákat az idők folyamán hogyan használják fel. Ezen a fényképen a tájat a kőbánya és közeli szomszédja, az erőmű uralja, amelynek négy hatalmas hűtőtornya foglalja el a középső távolságot. A tornyok mögött pilonok állnak, amelyek bizonyítják a szénről a villamos energiára való áttérést.

Ez a fénykép a Thatcher -korszakban készült, mindössze egy évvel azelőtt, hogy az Agecroft bányászai 1984–85 között részt vettek a Bányamunkások Országos Szövetsége sztrájkjában. Ez a fénykép az iparág tájra gyakorolt ​​hatását mutatja. Az előtérben tipikus vasárnapi bajnoki futballpályák találhatók, a szomszédban pedig a törmelék - elhagyott autók és egyéb alom. Egy lekötött ló teszi teljessé a melankolikus jelenetet.

© Paul Graham, Science Museum Group gyűjtemény

Paul Graham (1956–) legismertebb az 1980 -as évek úttörő színes dokumentumfilm -munkájáról. Az ő sorozata A törődésen túl, amelyből ez a kép rajzolódik, az Egészségügyi és Szociális Biztonsági Minisztérium irodáit ábrázolja, és könyvként jelent meg 1985 -ben. Az évtized nagy témája, különösen Észak -Angliában, a szegénység és az iparosodás -mentesítés volt. A bányászati ​​ipar lebontása és az ebből adódó sztrájkok voltak a meghatározó történetek.

Graham volt az első, aki jelentős mértékben használta fel a színeket a társadalmi dokumentumfotózásban. A dokumentumfotózást a fekete -fehér uralta, a színek elsősorban a reklámra és a házimunkára korlátozódtak. Graham színeinek használata a személyes dokumentumfotózás eszközeként a társadalmi dokumentumfotózásban megváltoztatta a brit fotográfiát, és ma is befolyásos.

Martin Parr, Science Museum Group gyűjtemény

Brit fotós Martin Parr (1952–) a fotográfia újkori történetének egyik legjelentősebb művésze. Széleskörű munkássága hírnevet hozott neki, és mély benyomást tett azokra, akik nyomában követték. Parr híres szokatlan, gyakran humoros stílusáról és a tömegturizmus, a fogyasztás és a globalizáció iránti érdeklődéséről. Munkáját gyakran kritikusnak tartják Angliával és az angolokkal szemben, és ezért gyakran ambivalensen fogadják, függetlenül a közegre gyakorolt ​​hatásától és nyilvánvaló minőségétől,

A Magnum Photos tagja, Parr pimasz színekkel dolgozik, hogy nyilvánvalóan vulgáris és pazarló világot ábrázoljon. Első nagyszabású projektje volt Az utolsó megoldás, fotósorozat a Wirralon található New Brighton lerobbant tengerparti üdülőhelyéről. 1986 -ban könyvként jelent meg és széles körben kiállították, Az utolsó megoldás hírhedtté vált a modern társadalom megdöbbentő, borzasztóan színes ábrázolásával.

Az utolsó megoldás megalkuvás nélküli projekt, amely megbocsáthatatlan reflektorfénybe helyezte Thatcher Nagy -Britanniáját, és kérdéseket vetett fel a brit társadalmon belüli szakadékok mélységével kapcsolatban. A sorozatból készült fényképen két kisgyerek látható, akik fagylalttal csorognak le a kezükön, az arcukon és a ruhájukon. Rendetlen megjelenésük gondatlan és elhanyagolt gyermeknevelést von maga után, amit tovább erősít az a mód, ahogyan egyedül állnak a járdaszegélyen.

Nick Knight, a Science Museum Group gyűjteménye

Nemzetközi hírű brit divatfotós Nick Knight (1958–) ismert a hagyományos szépségideálokkal szembeni kihívásokról, valamint a magazinokban, többek között brit és francia nyelvű munkáiról. Divat, Kábult és zavart és i-D, Utóbbi cím képszerkesztője volt tíz évig.

Knight számos könyvet publikált fotóiból, és rangos intézmények is bemutatták, köztük a Victoria and Albert Museum, a Saatchi Gallery, a Tate Modern, a Photographers Gallery, a Hayward Gallery és a Natural History Museum. Kampányokat készített prominens divatházaknak, köztük Christian Diornak és Yves Saint Laurentnek. 2000-ben létrehozta a díjnyertes SHOWstudio divat weboldalt.

Ez a kép, Suzie Dohányzás, 1988, az avantgárd japán divattervező, Yohji Yamamoto számára forgatták. A Suzie Bick modellt bemutató fényképet széles körben kiállították, különösen az 1989 -es kiállításon Kiment a divatból a londoni Fotográfus Galériában.

Fox Anna, Tudományos Múzeum Csoport gyűjteménye

Anna Fox (1961–) az 1980 -as években került előtérbe, amikor elkezdett színes fényképeket készíteni olyan stílusban, amely szubjektív dokumentumfilmként vált ismertté. A Fox első projektje az 1970 -es években az Egyesült Államokban és az 1980 -as években Nagy -Britanniában készült új színmunka hatására Munkaállomások: Office Life Londonban (1988) a brit irodakultúrát krónikálta. A durva villanásokkal jellemezhető és szatirikus feliratokkal kísért projekt kritikus pillantást vetett az 1980 -as évek agresszív és versenyképes munkapolitikájára, és a korszak más fontos dokumentumfilmírói, köztük Paul Graham, Tom Hunter és Martin Parr kontextusában készült.

Későbbi projekt Baráti tűz 1989 és 1994 között vállalták, és dokumentálták a paintballt és más hétvégi háborús játékokat. A fényképek különböző helyszíneket ábrázolnak, némelyik beltéren és néhány a szabadban. A képeket ismét a durva villanás jellemzi, ami fokozza az irónia érzetét a műben. A háborús fotós szerepét betöltő Fox szatirizálja a résztvevők motívumait, amikor megpróbálják elősegíteni a csapatszellemet az álcsatával.

© Richard Billingham, Science Museum Group gyűjtemény

Richard Billingham (1970–) Birminghamben született. Áttörése a fényképek közzétételét követően következett be, amelyeket a város egyik toronyházában lakó családjáról készített. A könyv Ray nevet (1996) Billingham alkoholista édesapja, Ray, édesanyja Liz és öccse, Jason kaotikus életét ábrázolta.

A ronda színű, rosszul fókuszált fényképeket olcsó, 35 mm-es kamerával készítették. Eredetileg festmények tanulmányozására készültek, miközben Billingham képzőművészetet tanult a Sunderlandi Egyetemen. A családi pillanatképekre emlékeztető, rendkívül őszinte képek szegény életet ábrázolnak, de Liz és Ray közötti intimitás pillanatai enyhítik. Ezen a fényképen, amely egyszerre humoros, kétségbeesett és kegyetlen, Ray látható, amint a család kedvenc macskáját dobja át a szobán.

Részben fotónapló és részben dokumentumfilm, Ray nevet nemzetközi elismerést és hírnevet szerzett. Ezt számos helyszínen kiállították, többek között ebben a múzeumban 1996 -ban, és része volt a híresnek Szenzáció kiállítás a Királyi Művészeti Akadémián 1997 -ben. Billingham 1997 -ben elnyerte a rangos Citibank Photography Prize díjat, és 2001 -ben bekerült a Turner -díjba.

Hannah Starkey, Science Museum Group gyűjtemény, Maureen Paley, London jóvoltából

Hannah Starkey (1971–) nagyméretű, színpadra állított fényképeket készít, amelyek arra késztetik a nézőt, hogy spekuláljon alanyai gondolatairól és szándékairól. Ezek a rejtélyes színes fényképek drámaként hatnak, gyakran csendesek és finomak, utalva valamilyen kimondatlan eseményre, amelyet csak a szereplők ismernek. A nézőt vonzzák, és ösztönzik a részvételre és a hipotézisekre.

A Starkey nagyszabású tablójában az alanyok-általában nők-valamilyen rejtélyes forgatókönyvben vesznek részt. Úgy tűnik, azt sugallják, hogy véletlenül bukkantunk a jelenetre, a szövegkörnyezet és az elbeszélés továbbra is megfoghatatlan.

Ezen a fényképen úgy tűnik, hogy a főszereplőt váratlanul elkapta a napközbeni álom, és a molyra gondol, amely megpihent a nagy tükörben. Úgy tűnik, hogy a saját világában él, nem vesz tudomást egy másik nő jelenlétéről, aki látszólagos és megmagyarázhatatlan rosszindulatúan figyeli őt.


Amikor a fotózás nem volt ’t Art

Manapság a fotózást általánosan elfogadott képzőművészetnek tekintik. De a 19. század nagy részében művészeti világ száműzött volt.

Manapság a fotózást általánosan elfogadott képzőművészetnek tekintik. A 19. század nagy részében azonban a fotográfia nem csupán másodosztályú állampolgár volt a művészeti világban, hanem száműzött.

A fotográfiát az 1820 -as években találták fel, és bár az ezt követő néhány évtizedben kezdetleges technológia maradt, sok művész és műkritikus mégis fenyegetésnek tekintette, ahogy Henrietta Clopath művész a Brush and Pencil 1901 -es számában hangoztatta:

Néha kifejezték azt a félelmet, hogy a fényképezés idővel teljesen felülírja a festészetet. Vannak, akik úgy gondolják, hogy amikor a színes fényképek készítésének folyamata tökéletesedett és eléggé általánossá vált, a festőnek nincs több dolga.

1858 -ban a londoni Victoria & amp Albert Múzeum lett az első múzeum, ahol fényképészeti kiállítást rendeztek, de az Egyesült Államok múzeumaiba beletelt egy kis időbe. A bostoni Szépművészeti Múzeum, az egyik első amerikai intézmény, amely fényképeket gyűjtött, ezt csak 1924 -ben tette meg.

Amikor a kritikusok nem fogták a kezüket a fotózásról, akkor kigúnyolták. A fotózást pusztán a megismételhetetlen megismétlési mechanizmusnak tekintették, amelyből hiányzott „az a kifinomult érzés és érzelem, amely egy zseniális ember produkcióit eleveníti fel”, amint azt a Crayon 1855 -ös számában fejezték ki. Mindaddig, amíg „a találmány és az érzés a műalkotás alapvető tulajdonságai” - érvelt az író, „a fényképészet soha nem vehet fel magasabb rangot, mint a gravírozás”.

A kritikusok legjobb esetben a fotózást hasznos eszköznek tekintették a festők számára, hogy rögzítsenek olyan jeleneteket, amelyeket később ecsetükkel mesterségesebben ábrázolhatnak. „Sokat lehet tanulni a rajzolásról egy jó fényképre való hivatkozással, hogy még a gyors természetes észlelésű ember is lassú lenne megtanulni ilyen segítség nélkül” - írta az egyiket az Új út 1865 -ös számában. De az írónő elismerése ezzel véget ért. A fotózás önmagában nem minősülhetett művészetnek, a magyarázat úgy hangzott, mert hiányzott belőle „valami, ami túlmutat a puszta mechanizmuson”.

Néhányan, mint például John Moran tájfotós, ellenálltak ennek az elképzelésnek. „Ez a megtagadás, hogy a fotográfiát a képzőművészetek közé soroljuk, bizonyos mértékig megalapozatlan, célja és vége közös a művészettel. Ugyanazt a nyelvet beszéli, és ugyanazokkal az érzelmekkel foglalkozik ” - írta a 1865. márciusi számában A philadelphiai fotós. Noha nem tudott teljes mértékben elmenekülni korának stigmáitól - kijelentette, hogy a fotográfia soha nem „követelheti a művészet magasabb formáinak tiszteletét”, mert „a mű tényleges előállítása során a művész abbamarad, és a természet törvényei lépnek a helyükre” - fontos érvet fogalmazott meg a fotózás, mint a kreatív kifejezés egyik formája mellett:

A művészeti képességek kétségtelenül szükségesek a természetből készült képek előállításához, mivel minden egyes jelenet sokféle nézőpontot kínál, de ha nincs észlelő ész, hogy észrevegye és érezze a különböző szempontok relatív fontossági fokát A természet bemutatja, semmi méltó a képek nevére. Ez a tudás, vagy a látás művészete az, amely értéket és fontosságot ad bizonyos fotósok munkáinak az összes többihez képest.

Moran központi állítása, miszerint „százan készítenek kémiailag hibátlan fényképeket, de kevesen készítenek képeket” ma is igaz. Kevesen készítenek fényképeket vegyszerekkel, de milliárdok készítenek olvasható fényképeket egyetlen gombnyomással. Ennek ellenére, mint 150 évvel ezelőtt, a művészet a szemben van, nem a készülékben.


A XIX. Század: A fotográfia feltalálása

1839 -ben a vizuális megjelenítés új eszközét jelentették be a megdöbbentő világnak: a fotózást. Bár a közvélemény azonnal és lelkesen felkarolta a nagyközönséget, maguk a fotósok töltötték az elkövetkező évtizedeket technikákkal kísérletezve és vitatkozva ennek az új találmánynak a természetéről. Az ebben a részben található munkák azt sugallják, hogy milyen kérdésekkel foglalkoznak ezek a legkorábbi gyakorlók. A fotózást legjobban művészetként vagy tudományként értették? Milyen témákat kell ábrázolniuk a fényképeknek, milyen célt kell szolgálniuk, és hogyan kell kinézniük? A fotósoknak a más művészetekben, például a festészetben kialakult esztétikán belül kell dolgozniuk, vagy olyan jellemzőket kell felfedezniük, amelyek egyedülállónak tűntek a közeg számára? A fotósok első generációja tudósokká vált, amikor elsajátították az új folyamatok megdöbbentő sorát, és megtanulták, hogyan kell kezelni berendezéseiket és anyagukat. Ennek ellenére esztétikai kérdésekkel is megküzdöttek, például azzal, hogyan lehet monokróm közegben közvetíteni a sokszínű valóság hangvételét, textúráját és részleteit. Gyakran feltárták ugyanazokat a témákat, amelyek évszázadok óta lenyűgözték a művészeket - portrékat, tájképeket, műfaji jeleneteket és csendéleteket -, de felfedezték és ki is használták azokat a jellegzetes módokat, amelyekkel a kamera keretezi és bemutatja a világot.

William Henry Fox Talbot, Brit, 1800–1877, Jelenet Yorkban: York Minster a Lop Lane -ből, 1845, sózott papír nyomat, Edward J. Lenkin Alap, Melvin és Thelma Lenkin Alap, valamint Stephen G. Stein Alap, 2011. 57.1

A brit polihisztor, aki egyformán jártas a csillagászatban, a kémiában, az egyiptológiában, a fizikában és a filozófiában, Talbot éveken keresztül találta ki a fényképészeti folyamatot, amely papírnegatívokat készített, amelyeket aztán pozitív nyomatok készítésére használtak - ez a digitális korig szinte minden fénykép fogalmi alapja. A kalotípusok, ahogy ő nevezte őket, lágyabbak, mint a dagerrotípiák, a másik eljárást 1839 -ben jelentették be. Bár a tudományokba merült, Talbot megértette találmányának képességét, hogy feltűnő műalkotásokat készítsen. Itt a város határaiból kiemelkedő, részben akadályozott kilátás a katedrálisra felfedezés érzetét kelti abban, hogy éppen sarkon fordult, és találkozott ezzel a jelenettel.

David Octavius ​​Hill és Robert Adamson, Skót, 1802–1870, és skót, 1821–1848, David Octavius ​​Hill a A Rock House kapuja, Edinburgh, 1843–1847, sózott papír, Paul Mellon Fund, 2007.29.27

Az 1840-es évek közepén Hill skót skót csapata, festőművész és Adamson fotós, aki megnyitotta az első fotós stúdiót Edinburgh-ban, elkészítette az újonnan feltalált közeggel készített legszebb képeket. Az övék a technikai készségek és a kreativitás valódi partnersége volt. Szövetségük négy rövid éve alatt Adamson korai halála előtt mintegy háromezer portrét és képet készítettek a helyi életről. Ez a Hillről készült, a műterme bejáratánál készült kép jellemző a partnerek ügyes fény- és árnyék -kihasználására a téma arcának modellezésére, pszichológiai intenzitásra utalva.

Albert Sands Southworth és Josiah Johnson Hawes, Amerikai, 1811–1894 és amerikai, 1808–1901, A levél, c. 1850, dagerrotípia, Patrons ’Állandó Alap, 1999.94.1

A Bostonban közösen dolgozó Southworth és Hawes portréfotósok célja, hogy a daguerreotípia segítségével megragadják alanyaik karakterét. A Franciaországban feltalált és a két fotózási eljárás egyikét, amelyet 1839 elején mutattak be a nagyközönségnek, a dagerrotípia úgy készül, hogy egy ezüstbevonatú rézlemezt fénynek tesznek ki, majd vegyszerekkel kezelik, hogy a kép megjelenjen. A technika fénykora az 1840 -es és 1850 -es évek volt, amikor elsősorban portrék készítésére használták. A dagerrotípia hosszú expozíciós ideje általában frontális, dermedt testhelyzeteket és szigorú arckifejezéseket eredményezett, ez a kép piramisszerű összetétele, valamint a barátság és a barátság erős érzelmei jellemzik Southworth és Hawes innovatív megközelítését.

Roger Fenton, Brit, 1819–1869, Moszkva, templomok kupolái a Kremlben, 1852, sózott papír, Paul Mellon Fund, 2005.52.1

Az ügyvédként és festőként képzett Fenton mindössze tizenegy évig fényképezett, mégis Nagy -Britannia egyik legbefolyásosabb és legügyesebb gyakorlója volt. A British Museum első hivatalos fényképésze, egyben a Fotográfiai Társaság egyik alapítója volt, amely szervezet remélte, hogy megalapozza a fotográfia jelentőségét a modern életben. Folyamatosan tesztelte gyakorlatainak határait, sőt nehézkes berendezéseit külföldre vitte, például Oroszországba, ahol ezt a fényképet a Kreml figyelemre méltó építészeti nézeteinek részeként készítette.

Roger Fenton, Brit, 1819–1869, Gyümölcs és virágok, 1860, albumnyomat, Paul Mellon Fund, 2005.52.4

Gustave Le Gray, Francia, 1820–1884, Pont du Carrousel, Párizs: Kilátás nyugatra a Pont des Arts -tól, 1856–1858, albumnyomat, Patrons ’Állandó Alap, 1995.36.94

A fotográfia korai évtizedei Franciaországban (6–9. Dia)

A 19. század második felében Franciaországban néhány fotográfus, akiket kormányzati szervek béreltek fel fényképészeti leltárak készítésére vagy egyszerűen a párizsi képek iránti növekvő kereslet kielégítésére, a médium dokumentációs képességeiből merített, hogy rögzítse a nemzet építészeti örökségét és a modernizációt. Párizs. Mások a fényképezőgép művészi lehetőségeit fedezték fel, és megörökítették a francia vidék természetének hangulatát. Bár a fotósok nehézségekkel szembesültek a nehézgépek körül való kocsikázás és a terepen való működés során, megtanulták, hogyan kell elsajátítani a képeiket közvetlenül befolyásoló elemeket, a megfelelő kilátás biztosításától a mozgás, a fény és a változó légköri viszonyok kezeléséig hosszú expozíciós idő alatt.

Charles Marville, Francia, 1813–1879, Hôtel de la Marine, 1864–1870, albumin nyomtatás, Diana és Mallory Walker Fund, 2006.23.1

Édouard-Denis Baldus, Francia, 1813–1889, Toulon, vasútállomás, c. 1861, albumnyomat, Mecénások Állandó Alapja, 1995.36.10

Eugène Cuvelier, Francia, 1837–1900, Belle-Croix, 1860 -as évek, albumnyomat, Gail és Benjamin Jacobs a Milleniumi Alapért, 2007.115.1

Julia Margaret Cameron, Brit, 1815–1879, A hegyi nimfa, édes szabadság, 1866. június, albumnyomat, New Century Fund, 1997.97.1

A középkori Anglia értelmiségi és művészeti köreiben megerősödve Cameron manipulálta a fókuszt és a fényt, hogy költői képeket hozzon létre, amelyek gazdagok az irodalomra, a mitológiára és a történelemre. Az életnagyságú fejekről alkotott monumentális nézetei példátlanok voltak, és velük remélte, hogy egy új fotózási módot határoz meg, amely vetekedni fog a festészet és a szobrászat kifejezőerejével. Ennek a műnek a címe utal John Milton tizenhetedik századi „L’Allegro” című versére. A vidék örömét és szépségét boldog életét leíró vers a következő sorokat tartalmazza:

Gyere és kirándulj menet közben
A könnyű fantasztikus lábujjon
És a jobb kezedben vezess veled,
A hegyi nimfa, édes Liberty.

Maria Harriet Elizabeth Cator, Brit, 1831–1881, Cator családi album (részlet), 1866–1877, akvarell- és albumnyomatok kollázsa kötött kötetben, Pepita Milmore Memorial Fund, 2014.174.1

A XIX. Század közepén Nagy-Britanniában a felsőbb osztályú nők gyakran készítettek kollázsokat családjuk és barátaik kicsi, kereskedelmi portréfotóiból, fejeket és alakokat vágtak ki, és papírra ragasztották, amelyet aztán rajzokkal és akvarellel díszítettek. Évtizedekkel azelőtt készültek, hogy a huszadik századi avantgárd felfedezte a fotokollázs provokatív vonzerejét, ezek a leleményes, szellemes és szeszélyes képek aláássák az akkori stúdió-portréfotózás tiszteletreméltóságát.

Carleton E. Watkins, Amerikai, 1829–1916, Piwac, Vernal -vízesés, 300 méter, Yosemite, 1861, albumnyomat, Gift of Mary and David Robinson, 1995.35.23

Amerika nyugati terjeszkedése új lehetőségeket nyitott meg olyan fotósok előtt, mint Watkins és William Bell (lásd a következő diát). Csatlakozva a kormányzati felmérési expedíciókhoz, amelyeket vasúttársaságok béreltek fel, vagy a turistákat kiszolgálták, valamint a növekvő igényt a nagyszerű természeti kilátásokra, fényképészeti tájképeket hoztak létre, amelyek elérték a tudósok, üzletemberek és mérnökök széles körét, valamint a középosztály kíváncsi tagjait. . Watkins fényképei a magasztos Yosemite -völgyről, amelyek gyakran emlékeztetnek hasonló fenséges témájú tájképekre, segítettek meggyőzni a Kongresszust, hogy 1864 -ben fogadjon el egy törvényjavaslatot, amely megvédi a területet a fejlesztéstől és a kereskedelmi kizsákmányolástól.

William H. Bell, Amerikai, született Anglia, 1830–1910, Grand Cañon, Colorado folyó, Paria patak közelében, nyugatra néz, 1872, in Földrajzi és földtani kutatások és felmérések a 100. meridiántól nyugatra, 1871., 1872. és 1873. évszak (1873), albumin nyomat kötött kötetben, Corcoran Collection (William Wilson Corcoran ajándéka, 1886)

Guillaume-Benjamin-Amant Duchenne (de Boulogne), Francia, 1806–1875, 63. tábla, Ijedtség, tól től Mécanisme de la physionomie humaine (Az emberi arckifejezés mechanizmusa) (1862), 1854–1855, albumnyomat, Pepita Milmore Memorial Fund

Neurológus, fiziológus és fotós, Duchenne de Boulogne az 1850-es évek közepén kísérletsorozatot hajtott végre, amelyben elektromos áramokat alkalmazott különböző arcizmokra, hogy tanulmányozza, hogyan érzelmeket fejeznek ki. Meggyőződve arról, hogy ezek az elektromosság által kiváltott kifejezések pontosan tükrözik a belső érzéseket, majd lefényképezte alanyait, hogy pontos vizuális lexikont hozzon létre az emberi érzelmekről, például a fájdalomról, a meglepetésről, a félelemről és a szomorúságról. 1862 -ben ezt az ijedtséget ábrázoló fényképet beemelte a fizionómiáról szóló értekezésbe (egy áltudomány, amely feltételezi a külső megjelenés és a belső jellem közötti kapcsolatot), amely széles körben népszerű volt a művészek és a tudósok körében.

Eadweard Muybridge, Amerikai, született Anglia, 1830–1904, Tábla 365, Fejrugó, egy repülő galamb zavarja, tól től Állatok mozgása, 1887, kollotípus, Corcoran Collection (Múzeumvásárlás, 1887)

Muybridge kísérletei az 1880 -as években forradalmasították a mozgás megértését és inspirálták a tudósokat és a művészeket. Pontosan kioldott redőnyökkel felszerelt kamerák segítségével képeket készített az emberekről és állatokról, akik mozogtak és egyszerű műveleteket hajtottak végre, például lépcsőn másztak vagy, mint itt, fejrugót hajtottak végre. Munkái apró mozdulatokat mutatva láthatóvá tették azt, ami egykor az emberi szem számára észrevehetetlen volt, és megalapozta a mozgóképeket.


Rövid idővonal a fotózás történetéről!

Század B.C. Kínai és görög filozófusok írják le az optika és a kamera alapvető elveit.

A kínaiak az elsők között fedezték fel az alapvető tűlyukú kamera ötletét. Kr. E. arról írtak, hogy a szemközti falon lévő “ tűlyukból ” fejjel lefelé kép keletkezett.

Példa a tűlyukú kamera működésére

4. SZÁZAD ie. A görög filozófus, Arisztotelész a lyukas képalkotásról beszélt munkájában.

„Miért van az, hogy a napfogyatkozás, ha rostán vagy leveleken, például platánfán vagy más leveles fán keresztül nézzük, vagy ha egyik kezünk ujjait összekapcsoljuk a másik ujjaival, a sugarak félhold alakúak, hol érik el a földet? Ugyanazon okból, mint amikor a fény egy téglalap alakú peep-lyukon keresztül világít, akkor kör alakú kúp formájában jelenik meg? ”

1021: ⇢ A camera obscura feltalálását az iraki tudósnak, Alhazennek tulajdonítják, és leírja optikai könyvében.

1664-1672 ⇢ Sir Isaac Newton felfedezi, hogy a fehér fény különböző színekből áll, ha a fehér fényt prizmából törik le.

A fény és a szín modern megértése Isaac Newtonnal kezdődik

1685 Johan A hordozható és kisméretű fényképezőgép doboz formájának elképzelését Johann Zahn elképzelte, HOGY közel 150 év telhet el, mire a technológia életre kelti elképzelését.

1717 Johann Heinrich Schulze felfedezte, hogy az ezüst -nitrát fény hatására elsötétül.

1816 ⇢ A francia Joseph Nicephore Niepce fából készült kamerát épített, mikroszkóp lencsével.

Sikerült lefényképeznie a kis fényképezőgépben képzett képeket, de a fényképek negatívak voltak- vagyis azok voltak a legsötétebbek, ahol a fényképezőgép képe volt a legvilágosabb, és fordítva. Nem voltak állandóak abban az értelemben, hogy meglehetősen gyorsak voltak, mint a korábbi kísérletezők, és Niépce nem talált módot arra, hogy megakadályozza a bevonat sötétedését, amikor fénynek van kitéve. Az ezüst sóktól elbűvölve figyelmét a fényérzékeny szerves anyagokra fordította.

1826: Joseph Nicephore Niepce feltalálta a Heliográfot, amellyel elkészítette a természet legkorábbi ismert állandó fényképét, a Nézet az ablakból Le Gra -ban.

Az eljárás során bitumenet használtak üveg vagy fém bevonatként, amely a fény hatására megkeményedett. Amikor a lemezt levendulaolajjal mostuk, csak a megkeményedett képterület maradt.

Kilátás a Le Gras ablakából rendkívül hosszú expozíciót igényelt (hagyományosan nyolc órát, de most több napot tartanak), ami azt eredményezte, hogy a napfény látható volt az épületek mindkét oldalán.

A kép legrégebbi fennmaradt fényképe, amelyet egy kamerában alakítottak ki - Kilátás a Le Gras ablakából

1837⇢ Joseph Nicephore Niepce -vel együttműködve Louis Daguerre feltalálta az első gyakorlati fényképészeti eljárást, amelyet az 1850 -es évek közepéig széles körben használtak a portrékészítésben.

Az alábbi kép a világ első fényképes önarcképei közé tartozik. A holland migráns, Robert Cornelius készítette 1839 -ben családi vállalkozásán kívül, az Egyesült Államokban, Philadelphiában. A dagerrotípia hátoldalán ez olvasható: “A valaha készült első könnyű kép ”.

1837⇢ Az első légi felvételt Gaspard Felix Tournachon készítette a Place De L ’ Etolie -n, Párizs. 520 méteres magasságból lőtték le kötött ballonnal.

1861⇢ James Clerk Maxwell skót fizikus 1861 -ben készítette el az első színes fényképet.

Maxwell megalkotta az itt látható tartánszalag képét úgy, hogy háromszor lefényképezte vörös, kék és sárga szűrőkön, majd egyesítette a képeket egy színes kompozittá

1871 Dr. Richard Maddox felfedezett egy módszert, amellyel zselatint használnak üveg helyett a fényérzékeny oldat lemezanyagaként.

Ez a felfedezés a szárazlemez -fotózás feltalálásához vezetett, egy kevésbé nehézkes folyamathoz, amely nem követelte meg a fotóstól, hogy sötétkamrás sátrat használjon az azonnali lemezfejlesztéshez, ahogy azt a nedves lemez -eljárások megkövetelték.

1884–1888 George Eastman bemutatta a cellulóz alapú filmet és a kis hordozható, könnyen használható dobozkamerát.

Első fényképezőgépe, amelyet "“Kodak" -nak nevezett, egy nagyon egyszerű dobozkamera volt, fix fókuszú lencsével és egyetlen záridővel, ami viszonylag alacsony árával együtt vonzotta az átlagfogyasztót.

A Kodak 100 expozícióhoz elegendő filmet tartalmazott, és a tekercs befejezése után vissza kellett küldeni a gyárba feldolgozásra és újratöltésre. A 19. század végére Eastman számos modellre bővítette kínálatát, beleértve a dobozos és összecsukható kamerákat is. A fényképek most elérhetik a tömegeket.

1878⇢ Eadweard Muybridge sikeresen rögzítette a mozdulatsort. Ez az úttörő felfedezés és technika segített feltalálni a mozgásképeket.

1884-1924⇢ A fényképezőgépet a németországi Leitz gyárban kezdték gyártani. Leica -nak hívták a “Leitz Camera. ” kezdőbetűiből

1926⇢ A víz alatti színes fényképezés ezzel a disznóhallal készült, amelyet Dr. William Longley és a National Geographic munkatársa, Charles Martin fényképezett a Florida Keys -nél a Mexikói -öbölben

A vízálló házba helyezett kamerákkal és a robbanásveszélyes magnézium vakuporral felszerelt víz alatti megvilágítás érdekében a pár úttörő szerepet töltött be a víz alatti fényképezésben.

1929⇢ A TLR (ikerlencse-reflex) tömeges értékesítése felé vezető előrelépés a Rolliecord, majd a Rollieflex volt, amelyet a német Franke & amp; Heidecke fejlesztett ki.

1936⇢ Az első 35 mm-es tükörreflexes fényképezőgép, az Ihagee Kine Exakta bal oldali zárkioldóval és gyors filmszél hüvelykujjkarral, összecsukható derékszint-keresővel és 12–1/1000. másodperces fókuszsíkkal volt felszerelve.

1948⇢ Teljesen új típusú kamerát mutattak be-a Polaroid 95-ös modellt. Ez volt a világ első életképes pillanatképes fényképezőgépe. A 95 -ös modell szabadalmaztatott kémiai eljárást használt a kész pozitív nyomatok előállítására a kitett negatívokról egy perc alatt.

1949⇢ Történelmi kamera: a Contax S-az első pentaprizmás tükörreflexes fényképezőgép szemmagasságú megtekintéshez.

1952: Az Asahi ’ első modellje, az AsahiflexI volt az első japán gyártmányú 35 mm-es tükörreflexes fényképezőgép.

1959⇢ A nikon f - az első japán rendszerkamera cserélhető alkatrészekkel, amelyek a rendszer magját alkotják.

1975⇢ Steven Sasson, az Eastman Kodak mérnöke találta fel az első digitális fényképezőgépet.

A 8 kilós kamera 0,01 megapixeles fekete -fehér fényképeket rögzített kazettára. Az első fénykép elkészítése 23 másodpercet vett igénybe.

A képek lejátszásához az adatokat leolvastuk a szalagról, majd megjelenítettük egy televíziókészüléken.

Azóta hosszú utat tettünk meg!

1984: Steve McCurry a világ egyik leghíresebb portréját örökítette meg.

A kísérteties zöld szemű afgán lány mindenkit magával ragadott. Ez a lebilincselés ismét bebizonyította a fényképezés erejét, hogy egyetlen képpel kinyitja a szemet - és a szívet és az elmét.

A portré 1985 júniusában jelent meg a National Geographic borítóján

1988⇢ Bár soha nem került piacra, az 1988-as Fuji Fujix DS-1P bevezetett egy fontos technológiát-a Toshibával kifejlesztett cserélhető SRAM (statikus RAM) memóriakártyát.

1993 Sok más digitális fényképezőgéppel ellentétben, amelyek fényképeket „illékony” memóriában tároltak, és amelyek akkumulátor -fogyasztást igényeltek a fájlvesztés megelőzése érdekében -
ez a videógrafikus tömb (VGA) felbontású kamera volt az első, amely a képfájlokat olyan szilárdtest flash memóriába mentette, amely mára a digitális fényképezőgépek szinte univerzális tárolóeszköze.

1994⇢ Általában úgy vélik, hogy ez az első fogyasztói (1000 dollár alatti) kamera, amely egyetlen érzékelővel készít színes képeket, a Kodak által tervezett és a japán Chinon által gyártott QuickTake, VGA felbontásban. Ez jelentette az Apple első fotózását.

Itt kezdődött minden az Apple számára!

1994⇢ A kamerás telefon és a Wi-Fi-vel felszerelt kamerák, amelyek csak sok évvel később jelennek meg, az 1994-es Olympus Deltis VC-1100 modell volt az első digitális fényképezőgép, amely képes képeket telefonvonalon, közvetítő nélkül továbbítani. számítógépről vagy más eszközről!

1999⇢ A Kyocera VP-210 bemutatta azt a koncepciót, amelyet ma is gyakran használunk-telefonos fényképezés!

20 állóképet tud tárolni, és élő „videót” továbbíthat 2 kép / mp sebességgel. A Sharp hamarosan követte a J-SH04-et, amelyet Philippe Kahn feltalálóval fejlesztettek ki, akinek 1997-es prototípusú telefonja elsőként továbbított egy fényképet-kislányáról.

Hasonlítsa össze ezt az iPhone 7 készülékével!

1991⇢ A Nikon D1 volt az első DSLR ház, amelyet egyetlen gyártó tervezett a semmiből. Ez versenyképesen megváltoztatta az SLRS játékát abban az időben- a digitális SLR árát több mint felére csökkentette.

Az eredeti áron a fényképezőgépet alig 5000 dollárért adták el. Olyan képminőséget, felépítést és teljesítményt nyújtott, amelyet a fotóriporterek ekkor megköveteltek. Ez, valamint a Fujifilm és a Canon DSLR fényképezőgépei szintén segítettek véget vetni a Kodak uralmának a professzionális DSLR -ekben.

2002⇢ A Casio Exilim EX-S1/EX-M1 előreugrott az ultrakompakt tervezési versenyben a 0,4 hüvelyk vastagságú EX-S1 „hordható kártyás kamerával”.

2003⇢ Amikor ezt a 6 megapixeles DSLR -t bejelentették az interneten, a szerkesztők siettek, hogy újracsinálják a borítót, hogy trombitáljanak az első 1000 dollár alatti (999,99 dollár, utcai, kit lencsével) áron. A Reb elrepült a polcokról, és bizonyította a döntő pontot számtalan komoly amatőr fotós számára, hogy filmről digitálisra váltsanak.

2005⇢ A Canon EOS 5D -nek egészen 2008 -ig volt a népszerű új piaci kategóriája, amikor a Nikon és a Sony kiadta a D700 -at és az Alpha 900 -at.

A Pop Photo „Az év fényképezőgépe” címet viselő „05-ös éve” teljes képkockás felvételt biztosított a komoly amatőr fotósok és a pénzszűkében lévő profik számára, az ára kevesebb, mint a fele a nagyobb, nehezebb professzionális teljes képkockázóknak.

2007⇢ A Go Pro Digital Hero 3 bemutatkozik a piacon, és bárhová elvihető bütyköket kínál masszív tokkal. Most a legtöbb sportoló, kerékpárral közlekedő, sőt autóval is rendelkező ember rendelkezik ilyenekkel.

2007⇢ Bemutatkozik az első Apple Iphone. Bár az Apple nem az első volt a kamerás telefonok beépítésében-egyesítették az egyszerű kamerafelületet, az intuitív letöltési és megosztási eszközöket, és 2008-ban egy könnyen hozzáférhető platformot a harmadik féltől származó fotóalkalmazásokhoz-, ami hihetetlenül népszerűvé tette őket.

Figyelje meg, hogy a telefonszolgáltató neve Cingular …!

2008⇢ A Polaroid bejelenti, hogy beszünteti az összes instant filmtermék gyártását, a digitális képalkotási technológia térnyerésére hivatkozva.

2008⇢ Bemutatkozik a Canon EOA Mark 11.

Bár nem először (körülbelül egy hónappal) kínálnak videót DSLR-en, a videó minősége olyan jó volt, hogy egyedül ő volt a felelős a DSLR-ek mára széles körben elterjedt használatának elindításáért a műsorszóró film- és TV-iparban. amely mindenütt jelenlévővé vált.

Széles körben használták olyan tévéműsorok forgatására, mint a House, sőt filmekhez is, amellett, hogy ’ óriási népszerűsége van a tájfotósok körében.

2008⇢ Amikor a Panasonic kivette a tükör- és prizmaegységet egy DSLR fényképezőgépből, és egy elektronikus keresőre cserélte, a kapott Lumix G1 fényképezőgép lett a világ első kompakt rendszerű fényképezőgépe.

Ez nem csak a leggyorsabban növekvő ágazat a fényképezőgépiparban, hanem az egyik leggyorsabban növekvő fogyasztói elektronikai kategória - ma már a Japánban értékesített cserélhető objektíves fényképezőgépek majdnem felét teszi ki, miközben Európában megközelíti a harmadát.

A CSC fő előnye, hogy viszonylag jó képminőséget és cserélhető lencséket kínál kis kamerában, kisebb lencsékkel. De a DSLR -ek optikai szerelvényét félretéve a G1 megnyitotta az utat a cserélhető objektíves fényképezőgépek széles spektruma előtt, amelyeket ma látunk, minden gyártótól, keresővel vagy anélkül, valamint különféle érzékelőméretekkel, a DSLR -től egészen a kompakt kamera méretű.

2012⇢ A Nikon D800 példátlan, 36 millió pixeles teljes képérzékelővel érkezik a piacra.

2016⇢ A Canon 5d Mark IV óriási, 30,1 megapixeles, teljes képkockás digitális egylencse-reflexként jelenik meg, és képes 4K-ban videót készíteni.

2016⇢ Az iphone 7 bemutatja legújabb fényképezőgép-technológiáját-a fényképezőgép hat elemes lencsével és 12 megapixeles érzékelővel rendelkezik.

A fényképezőgép most optikai képstabilizátorral és 50% -kal több fényt rögzítő f/1,8 rekesznyílással rendelkezik, ami azt jelenti, hogy gyengébb fényviszonyok között sokkal jobb képeket és videókat fog kapni.


A színes fényképezés elfogadható

A háború után a színes filmfotózás kulturális, technológiai és kereskedelmi édességet ért el, és ott több évtizeden keresztül virágzott. A színes film javult és érett közeggé vált: a fényképészeti emulziók stabilabbak és pontosabbak voltak, megbízható világméretű laboratóriumi és eladói hálózat jött létre, és a nemzetközi szabványok sikeresek voltak. A szakemberek számára nagyon színvonalas eredmények érhetők el a modern színes fóliával.

A színes film, különösen a színes negatív film, megbocsátó közeg volt az amatőrök és az alkalmi fotósok számára (a fotósok új kategóriája). A színes képek nemcsak a tudósok, technikusok, művészek és hirdetők számára váltak valamiévé, hanem egyre inkább olyanokká, amelyek elég egyszerűek és megfizethetőek sok ember számára. A fényképezőgépek minden fajtája rendelkezésre állt, a drogériás eldobhatóktól a legnagyobb teljesítményű speciális optikával és karosszériával rendelkezőkig. Ebben az időszakban az emberek mindenféle felhasználási lehetőséget találtak a színes filmekhez, mindent rögzítettek a ködös tengerparti nyaralástól a Föld első, űrből vett színes képeiig.

James Irwin asztronauta köszöntőt mond az amerikai zászló mellett a Hold felszíni extravehikuláris tevékenysége (EVA) során. A NASA Ektacolor képe, 1971. A kép a George Eastman Múzeum jóvoltából.

A színes fényképészet mint képzőművészet

Képzőművészeti közegként a színes fotózást lassan bevezették. Jelentős előrelépést tett Ernst Haas, aki áthidalta a tiszta fotóriporter és a fotográfia közötti szakadékot a színes fotózás kreatív, kifejező közegként való felhasználásával. Mint említettük, Élet (és Divat) már megjelentette Haas színes fotóriportereit, és 1962-ben a Modern Művészetek Múzeuma profilozta Haast első színes művészeti kiállításán.

Több mint egy évtizeddel később, amikor a Modern Művészeti Múzeum kiállította William Eggleston színes fényképeit. Eggleston -t William Christenberry amerikai fotós, festő és szobrász ismertette meg a színes fotózással - egy másik fotós szándékosan használta a színes fényképeket kifejező közegként. Eggleston különösen érdeklődött a festékátviteli nyomtatás iránt, amelyet széles körben használtak a reklámanyagokban. Eggleston vonzotta a gazdag, mély színeket, amelyeket a festékátviteli technikával tudott létrehozni. Bár az Eggleston -kiállítás nem volt a múzeum első színes fotós bemutatója, mégis jelezte a színes fényképezés érkezését, és a képzőművészeti világban legitimálja a színes fotózást.

Röviddel ezután újabb jelentős képzőművészeti színes fotózások következtek: Candida Höfer német fotós belső képei és Richard Misrach képei Sivatagi Cantos, mindkettő 1979 -ben kezdődött Mary Ellen Mark -é Falkland Road: Bombay prostituáltjai (1981) brazil fotós, Miguel Rio Branco Dulce Sudor Amargo és Nan Goldiné Ballada a szexuális függőségről (mindkettő 1985 -ben) Bruce Davidson Metró és Alex Webbé Forró fény/félkész világok: fényképek a trópusi vidékről (mindkettő 1986 -ban), valamint Barbara Norfleet, Joel Meyerowitz, Stephen Shore, Barbara Kasten és Franco Fontana munkái, akik mind ebben az időszakban rendkívüli kifejezéssel színes fotózást is alkalmaztak.

Ettől kezdve a képzőművészeti közösségben megszilárdult a színfotózás esztétikai megbecsülése, és beláthatatlanul sok képzőművészeti fotós nyitott ajtót, akik szívesebben dolgoztak színesben.

Candida Höfer korai belépő volt a színes képzőművészet területén, és a siker szimbóluma ebben a műfajban. Fénykép a Koelnmesse jóvoltából a Wikimedia Commonson keresztül, CC BY-SA 4.0.

Újságok átölelik a színt

Az újságok hasonlóan lassan, de végül beletörődtek a színes fotózásba.

Technikailag a Illusztrált London News volt az első, aki bevezette a színt egy újságban, amikor 1855 -ben karácsonyi kiadásában színes képeket nyomtatott. Az amerikai olvasókat 1891 -ben ismertették meg a színekkel az újságokban. Milwaukee Journal új kormányzói beiktatásról emlékezett meg, amelynek címlapján kék-piros sáv.

A magazinok az 1890 -es években kezdték el használni a színes fényképeket a reklámokhoz, de a nyomtatás drága és megbízhatatlan volt. Az 1920 -as évekre a technikák javultak, és a színes reklámok a folyóiratban elterjedtté váltak.

De csak 1954 -ben jelent meg az első újság, a St. Petersburg Times, négy év múlva kezdte el használni a színeit híroldalán, egy másik floridai újság, a Orlando Sentinel, követte. 1979 -re az amerikai újságok 12 százaléka építette be a színeket, és 1990 -re néhány kivételével mindegyik legalább részben szerepelt a színekben.

Egyes újságok számára a színes fotózás visszatartása nagyrészt pénzügyi kérdés volt. Egy egész újság színes nyomtatásához új berendezésre volt szükség és költséges. Mások számára a vonakodás a híradások integritásának megőrzéséről szólt. A hagyományőrzők azon a gondolkodásmódon voltak, hogy a szín elvonja a híreket, érzelmeket és szubjektivitást áraszt, és a tartalmat komolytalannak vagy nem komolynak ábrázolják.

A hagyomány lelassította a színek átvitelét Nagy-Britanniában, ahol klasszikus szakadék volt a nagylelkű újságok és a populista bulvár között. A színes reklám 1936 -ban jelent meg és Sunday Times 1962 -ben megtörte rangját az első színmelléklet kiadásával. Még körülbelül húsz évbe telt, amíg a szín bekerül a napi hírekbe - nem újság, hanem bulvár Ma. Az újságoknak végül is követniük kellett a példát.

Volt ellenreakció USA Today színpaletta (egyesek számára gusztustalannak tekinthető), amikor 1982-ben színes újságként indult, de a színre keltett sokk végül lecsillapodott, vagy figyelmen kívül hagyták, amikor a hirdetési eredmények megjelentek. Egy tanulmány kimutatta, hogy a színes hirdetések 43 százalékkal több eladást produkáltak, mint fekete-fehér hirdetések. Ugyanakkor az olvasóközönség elkezdte követelni a színeket (különösen a fiatalabb szetteket): 1986 -ban az újságolvasók mintegy 75 százaléka színesben akarta híreit.

Idővel az újságszerkesztők rájöttek, hogy a színek teljes spektrumának felhasználásával javul az általuk közölhető információk minősége, és „csodálatos újságírói eszközkészletet kínálnak” - jegyezte meg Terry Schwadron, a Los Angeles Times A teljes szín lehetővé tette az újságok számára is, hogy jobban versenyezzenek a magazinokkal és a televízióval, amelyek mindkettő a világot színes dicsőségében ábrázolta.

A szín ma már elfogadott és elvárt jelenlét minden híradóban. Újságáruház Párizsban. Florian Plag fényképe, Bretten Daily News, 2011, CC BY 2.0.


Kodachrome

Egy ikonikus Kodachrome kép egy afgán lányról Nasir Bagh menekülttáborában Peshawarban, Pakisztánban 1984 -ben

Összefüggő

Nem volt könnyű zöldnek lenni. Vagy sárga, piros vagy kék. Míg a színes fényképezés az 1860 -as évektől fogva létezett ilyen vagy olyan formában, egészen addig, amíg az Eastman Kodak Company 1935 -ben megjelent Kodachrome filmjével, a színes képeket rögzíteni kívánóknak nehéz üveglapokkal, állványokkal, hosszú expozíciókkal és igényes fejlesztési eljárás, amelyek mindegyike kevesebb, mint kielégítő képet és tompa, színezett képeket eredményezett, amelyek messze nem voltak élethűek. Tehát míg a Kodak abbahagyja az ikonikus színes filmet, az csak a legelkötelezettebb fotókedvelőkre lesz hatással, és a Kodachrome#151 értékesítése a vállalat bevételének kevesebb mint 1% -át teszi ki, és a június 22 -i bejelentés megszakítja a korszak egyik legnagyobb fennmaradó kötődését a digitális fényképezés előtti időszakban. Szintén véget vet egy örökségnek, amely magában foglalja a 20. századi Amerika legmaradandóbb képeit. (Lásd Richard Avedon fényképeit.)

A Kodachrome -folyamat és a három emulzió, amelyek mindegyike egy -egy elsődleges színre érzékeny, egyetlen fóliára van bevonva, és Leopold Godowsky Jr. és Leopold Mannes, két zenész agyszüleménye, akik a Kodak kutatóintézetében dolgozó tudósokká váltak. Rochesterben, New Yorkban Az 1916-ban látott "színes" film gyenge minőségében csalódott két Leopold évekig tökéletesítette technikáját, amelyet a Kodak először 1935-ben használt 16 mm-es filmben. The next year, they tried out the process on film for still cameras, although the procedure was not for the hobbyist: the earliest 35-mm Kodachrome went for $3.50 a roll, or about $54 in today's dollars.

While all color films have dyes printed directly onto the film stock, Kodachrome's dye isn't added until the development process. "The film itself is basically black and white," says Grant Steinle, vice president of operations at Dwayne's Photo in Parsons, Kans., the only photo-processing center still equipped to develop Kodachrome film. Steinle says that although all dyes will fade over time, if Kodachrome is stored properly it can be good for up to 100 years. The film's archival abilities, coupled with its comparative ease of use, made it the dominant film for both professionals and amateurs for most of the 20th century. Kodachrome captured a color version of the Hindenburg's fireball explosion in 1936. It accompanied Edmund Hillary to the top of Mount Everest in 1953. Abraham Zapruder was filming with 8-mm Kodachrome in Dallas when he accidentally captured President Kennedy's assassination. National Geographic photographer Steve McCurry used it to capture the haunting green-gray eyes of an Afghan refugee girl in 1985 in what is still the magazine's most enduring cover image.

For 20 years, anyone wishing to develop Kodachrome film had to send it to a Kodak laboratory, which controlled all processing. In 1954, the Department of Justice declared Kodachrome-processing a monopoly, and the company agreed to allow other finishing plants to develop the film the price of a roll of film — which previously had the processing cost added into it — fell roughly 43%. (Read about Kodak's antitrust case.)

Kodachrome's popularity peaked in the 1960s and '70s, when Americans' urge to catalog every single holiday, family vacation and birthday celebration hit its stride. Kodachrome II, a faster, more versatile version of the film, came out in 1961, making it even more appealing to the point-and-shoot generation. Super 8, a low-speed fine-grain Kodachrome movie film, was released in 1965 — and was used to film seemingly every wedding, beach holiday and backyard barbecue for the next decade. (Aficionados can check out the opening credits of the '80s coming-of-age drama The Wonder Years for a quick hit of nostalgia.) When Paul Simon sang, "Mama, don't take my Kodachrome away" in 1973, Kodak was still expanding its Kodachrome line, and it was hard to believe that it would ever disappear. But by the mid-1980s, video camcorders and more easily processed color film from companies like Fuji and Polaroid encroached on Kodachrome's market share, and the film fell into disfavor. Compared to the newer technology, Kodachrome was a pain to develop. It required a large processing machine and several different chemicals and over a dozen processing steps. The film would never, ever be able to make the "one-hour photo" deadline that customers increasingly came to expect. Finally in the early 2000s came the digital-photography revolution digital sales today account for more than 70% of Kodak's revenue.

Kodak quit the film-processing business in 1988 and slowly began to disengage from film-manufacturing. Super 8 went by the wayside in 2007. By 2008 Kodak was producing only one Kodachrome film run — a mile-long sheet cut into 20,000 rolls — a year, and the number of centers able to process it had declined precipitously. Today, Steinle's Kansas store processes all of Kodak's Kodachrome film — if you drop a roll off at your local Wal-Mart, it will be developed at Dwayne's Photo — and though it is the only center left in the world, the company processes only a few hundred rolls a day.

Kodachrome 64 slide film, discontinued on June 22, was the last type of true Kodachrome available — although the company expects existing stocks to last well into the fall. Kodak plans to donate the last remaining rolls of Kodachrome film to the George Eastman House's photography museum. One of them will be symbolically shot by McCurry — although the famed photographer gave up the format long ago. In fact, McCurry's photographic career perfectly traces the rise and fall of Kodak film. He shot his iconic Afghan-girl portrait on Kodachrome and returned 17 years later to photograph the same woman with Kodak's easier-to-develop Ektachrome. Now, he relies on digital.


Nézd meg a videót: Hogyan fotózz portrét? Tudatos portréfotózás a stúdióban (Lehet 2022).